‘LO propio y LO otro’ exposición en Casa Ensamble

LO propio y LO otro es la exposición con la que Casa Ensamble dará apertura a su programación de arte contemporáneo del año.

En esta muestra colectiva compuesta por fotografías y dibujos, presenta el trabajo de cuatro artistas visuales, que han explorado el cuerpo como experiencia vital. 14 obras harán parte de esta exposición, que busca impulsar diferentes espacios para el arte joven, promoviendo la inversión en los nuevos talentos.

Los proyectos que harán parte de esta muestra son “Teatro anatómico” de Bernardo Tovar, “Inventario” de Gabriela del Sol Abello, “En tu imagen retorno” de Sebastián Fonnegra y “El dibujo sin límite” de Manuel Calderón. La muestra estará abierta al público desde el 15 de marzo hasta el 7 de abril; la entrada es libre de 10am a 1:00 pm y de 2:00 pm a 5:00 pm de lunes a sábado.

El cierre de la inauguración estará a cargo del grupo SABRODERS, una banda de múltiples cultos y con una logia arraigada en el pensamiento gnóstico cristiano. Han incursionado en diversos espacios alternativos de la ciudad. Debutaron brillantemente en Agosto de 2009, en la “Fiesta Pa’l Marrano” llevada a cabo en Matik Matik, garito de la vanguardia musical bogotana, donde también grabaron los temas que aparecen en su primer sencillo publicado en formato de vinilo por el emergente sello Sandunga Discos.

Teatro anatómico’ de Bernardo Tovar
El proyecto Teatro Anatócarbocillomico surge como una manera de explorar el cuerpo a modo de contenedor. Un territorio en donde convergen diferentes tipos de imaginarios y memorias, colectivas e individuales, que hacen del cuerpo y del ser humano un ente histórico, el cual se construye constantemente por el contexto en el que emerge y por las situaciones en las que se desarrolla.

Este proyecto recibe el mismo nombre que los espacios propuestos, en la modernidad temprana (1500-1800), para enseñar anatomía y practicar disecciones públicas al cuerpo humano. El deseo natural por conocer y las necesidades vitales llevaron al hombre, incluso antes de la aparición de los Teatros Anatómicos, a interesarse por lo que contiene el cuerpo; sin embargo este deseo ha sido constantemente producto de luchas contra el tabú que envuelve el estudio del mismo. Hoy en día el cuerpo sigue estando expuesto al ojo público. La idea del Teatro Anatómico funciona como una analogía de la forma en la que el cuerpo se pone en escena y bajo la mirada de la sociedad, el contexto y diferentes instituciones se le estudia, imponiéndole conductas y maneras de ser.

Teniendo en cuenta el proceso de disección, también visto como una analogía, el proyecto busca, plásticamente, realizar una introspección a lo corpóreo, de manera poética y no literal. Al indagar el cuerpo, aparece más que las partes que constituyen el organismo, se despliegan las capas en las que el ser humano contiene la memoria de su vida; se manifiestan las diferentes tensiones y fuerzas entre el interior y el exterior de cada uno, así como entre el interior del contenedor y el exterior de lo contenido. Cuando se exterioriza lo contenido se abre una fisura, una grieta y se habla de la manifestación de una sensibilidad singular, de una historia personal, de un sueño individual, de un deseo privado, de una herida particular.

‘Inventario’ de Gabriela del Sol Abello
Me retrato desde mi cubierta, mi caparazón. Fotografío la piel más próxima a mi piel sensible dejando ver su peso y mostrando la manera en que se configura mi imagen mintiendo o diciendo verdades sobre mí.

El Proyecto de Creación fotográfica “Inventario” abarca como tema principal, “la identidad”, cómo se configura, qué influencias tiene, cómo nos diferencia, qué tanta carga cultural tiene, nuestra historia, y nuestra cotidianidad. Cómo construimos lo que somos a partir de los otros que nos rodean. Indago acerca de cómo se forma la identidad a partir de nuestro entorno objetual más inmediato: nuestra ropa.

En este proyecto me autorretrato desde aquellas cosas que me rodean, en la situación temporal de vivir en un país ajeno al mío, en una condición de “inmigrante”.

Decidí entonces retratar mi cubierta, entendiéndola como lo que siempre está a la vista, aprovechando para develar lo que nunca se ve de mí. Cada foto corresponde a un pedazo de mi cubierta, y todas ellas juntas son su retrato. Un retrato presente en 450 segmentos, donde la figura humana permanece, intacta, casi inerte, cambiando de prenda en cada cuadro. La pieza se conforma únicamente cuando todas las fotos están juntas.

En tu imagen retorno de Sebastián Fonnegra
“En tu imagen retorno” es un trabajo concebido y realizado a lo largo de 9 meses, tiempo en el cual sufrió varias modificaciones en tanto los encuentros, lecturas e investigaciones plásticas lo iban sugiriendo. La experimentación se desplazó entre pintura, dibujo, video, fotografía, y en última instancia, se consolidó como una instalación de seis fotografías de gran formato dentro de un espacio en penumbra y con iluminación tenue.

El modelo de las fotografías es mi padre y es a través de su imagen, la iluminación y el espacio que intento posicionar las reflexiones que entorno a la identidad de un sujeto he hecho. Estas reflexiones estuvieron inspiradas en varios puntos: mi formación histórica, el mito de Narciso, el mito de Perseo y Medusa, el mal de ojo dentro de la figura mítica de medusa y algunos textos psicoanalíticos referentes a la formación del “yo”, la mirada, el doble, el espejo y su función de identidad ilusoria.

‘El dibujo sin límite’ de Manuel Calderón
El dibujo como una acción es planteado repetidamente en la obra de Manuel Calderón, quien a través de complejos y monótonos procesos da cuenta del tiempo y el espacio en el que se desarrolla la vida del hombre contemporáneo. El cuerpo, siempre presente en sus obras, sirve de herramienta; es productor y receptor de sensaciones propias de la cotidianidad, las cuales exalta a través del manejo de las escalas, la serialidad y la repetición, así como el uso de los tiempos cíclicos.

Monotonía, Constricción, Limitación, Rutina, Frecuencia, Horario, Habitar, Repetición, orden y caos son términos que hacen parte de un tramado tan fino como simple de conceptos sobre los que se desplaza el trabajo del artista.

En su dibujar minucioso y obsesivo, Manuel utiliza siempre técnicas tan académicas y ancestrales como lo son: lápiz, carboncillo, pastel o tinta, siempre sobre papel. No obstante, su investigación se centra en abarcar distintos medios y lenguajes propios de un artista contemporáneo. Es así, como a través de estas técnicas tradicionales e imponiéndose a la preconcepción bidimensional del dibujo crea objetos, instalaciones, animaciones, videos y acciones. De esta manera, desplaza al dibujo de su campo bidimensional, para aliarlo con el espacio y el tiempo.

La fotografía y el vídeo son recursos importantes en su producción, al igual que sus lápices y borradores. Continuamente realiza composiciones fotográficas apropiándose de la luz para señalar posturas, gestos, texturas y acciones de un cuerpo que después reproducirá con fidelidad en un gesto intenso mediado por su propio cuerpo.

Fuente: Casa Ensamble

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